Cherry pie. Este blog ya parece un obituario, pero no puedo pasar por la alto la muerte de Jani Lane el pasado 11 de agosto. ¿Que quién era Jani Lane?, pues el ex-cantante de Warrant, ¿y quiénes son Warrant?, pues una banda de glam metal de finales de los 80. Warrant, junto a Skid Row, y a Gun's & Roses, fue uno de los grupos que solía oir en las tardes de los primeros 90, recuerdo que alguién en el instituto me dejó el vinilo y que éste tenía una escandalosa caratula interior en la que se insinuaba que la camarera patinadora de la portada p
Back to black. A nadie le debe haber sorprendido el final que ha tenido la pobre Amy Winehouse.
Se veía venir que esta vez el luto iba a ser por ella. Últimamente caminaba por una senda tortuosa y su suerte estaba echada.
Amy 
Winehouse nació en el seno de una familia judía con una gran tradición musical en el jazz. Se crió en los suburbios de Southgate, localidad periférica de Londres, donde a los 10 años fundó una banda de rap llamada Sweet 'n' Sour. A los 12 años, viendo que Amy tenía dotes artísitcas, sus padres la matricularon en la escuela de teatro Sylvia Young Theatre School, de la que fue expulsada a los 13 por "no aplicarse" y hacerse un piercing en la nariz. En esta misma época le reglaron su primera guitarra.
A los 16 años un cantante amigo suyo llamado Tyler James le dio una maqueta suya a un productor. De esta manera comenzó su carrera profesional que le llevó a firmar su primer contrato con la discográfica Island/Universal. Lanzó su álbum debut, Frank, en 2003 obteniendo críticas muy positivas y alcanzando bastante éxito comercial en el Reino Unido, donde el disco fue nominado para los Mercury Prize.
Su segundo álbum de estudio, Back to black, fue publicado en 2006. Por este disco la cantante consiguió seis nominaciones a los Grammy, de las cuales ganó cinco, entre ellas, Canción del año, Grabación del año y Mejor artista novel. Amy se convirtió en la primera mujer en ganar la mayor cantidad de reconocimientos en una sola noche y en la primera artista británica ganadora de cinco Grammys. A su vez esto provocó que Amy estuviera en el punto de mira de los medios que se hicieron eco de su agitada vida personal, y sus contínuos devaneos con el alcohol y las drogas.
Tras haber protagonizado varios escándalos, que llevaron a la suspensión de algunos conciertos en su última gira al aparecer sobre el escenario bajo los efectos de drogas y alcohol, finalmente Amy ha apurado el último trago de su vida el pasado 23 de julio muriendo por céntesima primera vez sin siquiera dejar palabras de despedida.
Versión acústica de lightspeed champion:
Esta vez eres tú quién vuelve a la tierra. Qué te sea leve.
Tags: Amy Winehouse, Back to black, Muerte
Could you be loved. Hoy se cumplen 30 años de la desaparación del gran Bob Marley. No puedo dejar pasar esta fecha sin dedicarle un artículo de homenaje pues durante una época de mi adolescencia su música fue todo un referente para mí.
Robert Nesta Marley, junto con su grupo The Wailers, dieron proyección internacional durante la década de los 70 al Reggae, genero musical que se desarrolló por primera vez en Jamaica hacia finales de los 60 a partir del Ska y el Rocksteady. 
La situación social en la que evolucionó el reggae en Jamaica, caracterizada por la pobreza generalizada, grandes desigualdades entre población negra y blanca, y un clima de inestabilidad política cercano a la guerra civil, definirían las primeras composiciones de Bob Marley & The Wailers dotándolas de un marcado carácter reveindicativo mediante letras que generalmente trataban temas sociales y políticos. Se podría afirmar que el reggae fue una especie de "canción protesta" que los jamaicanos emplearon para expresar su discorfomidad con el sistema.
La canción que he elegido pertenece a Uprising, último album de estudio de Bob Marley & The wailers y último de Bob Marley en vida. Al año siguiente de su publicación Bob fallecería víctima de una forma maligna de melanoma, que se le extendió a los pulmones y el cerebro, originado por una herida que se hizo en el dedo gordo de su pie derecho jugando al futbol.
A pesar del título (rebelión, levantamiento), Uprising es un album más espiritual que los anteriores y contiene para mi gusto algunas de las mejores canciones de Marley: además de Could you be loved, mi favorita, Coming in from the cold, y la emotiva Redemption Song, compuesta cuando ya se le había diagnosticado la enfermedad y, según las propias palabras de su esposa Rita Marley, se encontraba en un profundo estado de depresión y tristeza.
Pese a su prematura muerte, falleció con sólo 36 años, el mensaje que Bob Marley quiso transmitir con su música aún pervive.
La versión que he elegido la realizó Joe Cocker en su album The ultimate collection 1968-2003:
D.E.P Bob Marley
Tags: Bob Marley, Could you be loved, Joe Cocker
18 and life "Ricky era un chico joven, tenía un corazón de piedra…", así comienza este tema de Skid Row compuesto por el guitarrista Dave "Snake" Sabo después de leer en un periódico un artículo sobre un chico de 18 años condenado a cadena perpetua por matar accidentalmente a un amigo con un arma de fuego. 
Efectivamente Ricky es un personaje real; en algunos sitios de la red he leído que podría tratarse de Ricky Rasso, llamado el rey del ácido, un perturbado mental que asesinó a un amigo bajo los efectos de las drogas, pero yo me inclino por otra hipótesis: me parece más bien, y creo que el vídeo de la canción lo corrobora, que Ricky era el típico adolescente crecido en un hogar desestructurado, “…pandillero tatuado y suburbial, hijo de la derrota y del alcohol…”, como diría Joaquín Sabina, que me recuerda a algunos personajes que conocí en mi barrio y mi colegio a mediados de los 80.
Y es que esas eran las connotaciones que tenía el metal en aquellos tiempos: música de macarras de billar y repetidores de la E.G.B., fumadores de Ducados con pantalones ajustados y transgresoras camisetas negras que mi madre no me dejaría llevar; sonido que debido a este prejuicio no aprendí a apreciar hasta que los vinilos y casetillos de Scorpions, Barricada, Iron Maiden, Barón Rojo y Helloween de mi amigo Nino soplaron el polvo de mis orejas en las tardes de verano de finales de los 80.
Ahora que las camisetas negras forman parte de la cultura pop, y no me sorprende que a mi madre le guste la sudadera con la portada del single de Aces High que a veces me pongo los domingos para ir al campo, recuerdo con nostalgia aquellos tiempos y me pregunto si alguno de aquellos “Manuel Sánchez Sánchez” con los que compartí aula y calle acabarían como el desafortunado Ricky.
Skid Row, encuadrados en el Sleaze rock (derivación del Glam/Hair metal caracterizado por el maquillaje, las pelambres crepadas, y voces casi femeninas rozando la ambigüedad sexual), canto de cisne del metal ochentero antes de ser destronado por el Grunge, incluyeron este tema en su álbum debut de mismo nombre que la banda en 1989:
De entre todas las versiones he elegido esta realizada por la norteamericana Nina Gordon por la curiosidad de ser un directo acústico, y además por terminar los últimos compases versionando Listen to your Heart de Roxette:
No obstante son más de una las versiones, prueba indiscutible de la calidad del original, destacando a mi gusto la realizada por Hydrogyn o la versión acústica que llevó al estrellato al joven sueco Erik Grönwall al ganar en 2009 la edición de O.T. en su país. Ambas versiones, y alguna más, se pueden encontrar en Spotify y Youtube.
Tags: Skid Row, 18 and life, Sleaze rock, Glam/Hair metal, Nina Gordon
Midnight cowboy. Conocía muchas bandas sonoras de John Barry, pero hasta que he visto en televisión la noticia de su muerte no he sabido que el famoso tema de armónica de Cowboy de Medianoche era obra suya.
Un poco de historia. John Barry nació en Gran Bretaña en 1933 y desde el principio estuvo relacionado con el cine pues su padre era dueño de una sala de proyección. Tras hacer un curso de música por correspondencia(!), formó su propio grupo, The John Barry Seven, y comenzó a trabajar como arreglista de bandas sonoras de la época. Se ve que aprovechó bien el curso pues captó la atención de los productores de la película Dr. No, primera de la serie de James Bond, comenzando así una fulgurante carrera en la que compuso más de 100 bandas sonoras marcando un estilo que le ha hecho inconfundible a través del tiempo. Fruto de su extensa obra musical obtuvo 5 Oscars, 1 Globo de Oro y 4 Grammys pero sobre todo, nos ha dejado algunas de las bandas sonoras más grandes y hermosas de todos los tiempos. Seguro que Memorias de Africa o El último mohicano no hubiesen sido lo mismo sin su música.
Versión. Realizada por Faith No More en su álbum de 1992 Angel dust, en el que también versionaron Easy de The Commodores.
D.E.P. John Barry
Tags: John Barry, Faith no more
Good bye Earl. No estaría mal que aquellas pobres mujeres que sufren violencia de género tomasen ejemplo de esta canción de las Dixie Chicks perteneciente a su álbum Fly de 1999. Seguro que este método funcionaría mejor que el gesto simbólico de la tajerta roja.
Las Dixie Chicks son un trío de música country de los Estados Unidos formado por Emily Robinson, Martie Maguire, y Natalie Maines. Se trata de la banda femenina que más discos ha vendido, independientemente del género musical, con 36 millones de álbumes desde junio de 2006 y 13 premios Grammy.
Un poco de historia. La banda se formó en 1989 en Dallas, Texas. Después de años de esfuerzos y tribulaciones, Dixie Chicks alcanzaron a finales de los 90 un gran éxito en los géneros country y pop con hits como “Wide open spaces”, “Long time gone”, y la magnífica balada "Cowboy take me away”. En un concierto celebrado el 10 de marzo de 2003 en Londres, durante la introducción de un tema titulado Travellin' soldier, que trata sobre la historia de amor entre una camarera y un soldado que finalmente muere en Vietnam, la vocalista Natalie Maines criticó públicamente al Presidente estadounidense George W. Bush por tomar la decisión de invadir Irak. Días antes había tenido lugar una gran manifestación en contra de la guerra en Londres y Natalie manifestó su apoyo a la causa con las estas palabras: "Sabed que estamos de vuestro lado. No queremos esta guerra, esta violencia, y estamos avergonzadas de que el Presidente de los Estados Unidos sea de Texas".
Al día siguiente el diario británico The Guardian simplificó la declaración de Natalie publicando en un titular "Dixie Chicks: estamos avergonzadas de que el Presidente de los Estados Unidos sea de Texas". Este pronunciamiento político le salió cara a la banda: fueron vícitmas de un boicot que les costó la mitad de la audiencia de sus conciertos en los Estados Unidos, tal y como se recogió en el documental de 2006 “Dixie Chicks: Shut Up and Sing”. Incluso, según dicen en la letra de Not Ready to make nice, recibieron cartas con amenazas de muerte.
Posteriormente, en la 49ª edición de los premios de Grammy en 2007, ganaron en las cinco categorías para las que habían sido nominadas, incluyendo las codiciadas “canción del año”, “grabación del año” y “album del año”. Natalie Maine interpretó la votación como una muestra de reconciliación de la opinión pública con el grupo.
Good bye Earl cuenta la historia de dos amigas del instituto, Mary Anne y Wanda. Tras graduarse, Mary Anne decide dejar el pueblo y conocer mundo, mientras que Wanda se queda y conece a Earl con el que se casa. No pasan ni dos semanas cuando el amigo Earl comienza a maltratar a Wanda. Cansada de ocultar con gafas de sol y mangas largas las marcas del maltrato Wanda decide pedir el divorcio y una orden de alejamiento, pero el bestia de Earl se pasa la orden por el arco de triunfo y le da tal paliza a Wanda que ésta acaba en la UCI. Cuando Mary Anne se entera de lo ocurrido toma un avión y regresa al pueblo para ayudar a su amiga. Una vez recuperada Wanda y dado que, como suele ocurrir en estos casos, nada ni nadie puede garantizar la seguridad de Wanda, toman la drástica decisión de que la única forma de acabar con el problema es eliminando a Earl. El plan que traman podeis verlo en el vídeo:
Y aquí la versión, recogida en el álbum de 2006 Love Their Country de la banda Me first and the gimme gimmes, supergrupo de punk rock formado en 1995 que cuenta en su alineación con importantes rostros de la nueva escuela del punk tales como Fat Mike, bajista de NOFX y Crhis Shiflett, guitarra de los Foo Fighters, y basa su repertorio exclusivamente en interpretar reconocidas canciones anglosajonas de los 60, 70, 80, y 90:
Don't let it show. Hoy hace un año de la desaparición de Eric Woolfson. Puede que a mucha gente no le suene su nombre, siempre eclipsado por el de Alan Parson, pero no cabe duda de que la mayor parte de la grandeza de The Alan Parson's Project es obra suya. 
Eric Woolfson nació en Glasgow, Escocia, en 1945. Su primer trabajo como compositor lo realizó con 18 años, siendo contratado por Andrew Loog Oldham, productor de los Rolling Stones, iniciándo así una carrera que se extendió a lo largo de más de 20 años.
Antes de comenzar sus andaduras junto a Alan Parson en 1975, algunos de sus temas ya fueron interpretadas por más de un centenar de artistas, incluyendo nombres como: Marianne Faithful, Joe Dassin, The Tremeloes, Marmalade, Peter Noone, y el grupo norteamericano Music Explosion. Su tema "Baby Make It Soon", cantada por Chris Farlowe, fue ser la primera producción musical de Mick Jagger.
También en su faceta de productor artístico Eric Woolfson trabajó para diversas formaciones: The Equals, The Tremeloes, Dave Berry y Graham Gouldman, del grupo 10cc. Asimismo, a comienzos de los setenta, Eric desarrolló una interesante trayectoria como mánager, destacando su trabajo con Carl Douglas, conocido por su éxito "Kung Fu Fighting".
Durante su andadura con Alan Parson, Eric Woolfson concibió y escribió los diez albumes de The Alan Parsons Project, los cuales lograron en conjunto un total de más de 40 millones de copias vendidas alrededor del mundo. Además, ejerció su rol de pianista y de vocalista en varios de los temas del grupo, entre ellos "Eye in the sky"y "Time".
Su más ambiciosa obra fue "Freudiana", que en 1991 fue llevada al teatro en Viena, con una aclamada crítica del público y la prensa. "Freudiana" marcó el final de su participación en The Alan Parsons Project.
Muchos han sido los temas compuestos por Woolfson para The Alan Parson's Project que han sido versionados, pero para este pequeño homenaje he elegido "Don't let it show", perteneciente al album "I, robot" de 1977, e interpretada por el vocalista Dave Townsend:
En su album debut "In the Heat of the Night", editado en 1979 Pat Benatar hizo esta gran versión del tema:
Y aunque este artículo no iba a ser de la categoría Versión española, no puedo pasar por alto esta versión que la cantante mejicana Irma Angélica Hernández Ochoa, conocida como Mimí, realizó en su disco homónimo de 1991, posteriormente versionada por la argentina Laura Miller en su disco también homónimo de 2001, y más tarde por otra solista mejicana llamada Aranza en su disco Desafiando al tiempo (2006). A mi parecer, a pesar de que la interpretación es buena, la letra desvirtúa la esencia del original convirtiéndolo en una especie de sintonía de culebrón. Pero no deja de ser una curiosidad, además de demostrar la calidad del tema original al ser versionado en otra lengua:
D.E.P. Eric Woolfson